Eduardo Barco

_Raúl Ordás

En el universo plástico de Eduardo Barco, el espacio no es un mero contenedor sino una fuerza originaria. Sus obras parecen surgir del aire mismo, como si cada línea y cada plano se formaran a partir de una tensión entre el vacío y la estructura, entre lo que sostiene y lo que respira. A lo largo de más de dos décadas de investigación pictórica, su trabajo ha transitado del rigor constructivo a una abstracción que no renuncia a lo emocional, del orden como principio vital a la intuición como impulso creativo.

En esta conversación, el artista reflexiona sobre su relación con el espacio, la materia y el tiempo; sobre el ritmo como metáfora del movimiento, la intuición como relámpago interior y la pintura como una forma de pensar el orden del mundo.

Tu obra parece partir del espacio antes que de la forma. ¿Qué te interesa explorar en esa tensión entre el vacío y la estructura? 

Una pregunta muy pertinente, pues vivimos en un mundo relacional. Una forma no existe si no tiene límites, y tras ese límite se encuentra el espacio, que es lo que nos permite movernos y vivir en él. Si, el espacio viene antes para luego quedarse en un "segundo plano", primero el escenario y luego la actuación. La tensión a la que aludes me acompaña desde mis primeros pasos, y dependiendo de la estructura de la forma, la tensión es mayor o menor: existe siempre. La tensión es innerente a los materiales y a la escala, y cuando cuestionamos el comportamiento de los materiales estamos hablando de tensiones, por tanto es una actitud vital. 

Trabajas con una abstracción que no renuncia a lo emocional. ¿Cómo dialogan la razón constructiva y la intuición en tu proceso creativo? 

Ha sido un proceso, hace años evitaba cualquier efecto que hablara de emocionalidad porque personalizaba la obra y la adscribía a un tiempo concreto, digamos que trabajaba para que lo perenme superara a lo transitorio de las emociones. Llegado un momento, las emociones que aparcaba volvieron a la mesa de trabajo, y en esas estamos. Identifico intuición con un estado de alerta complejo y demandante de atención, adictivo, es como un relámpago dentro de la cabeza que llena los días y las horas y al que aspiras. Su relación con la razón constructiva es estrecha y beneficiosa, una simbiosis en la que lo constructivo suele iniciarlo todo en espera de esa intuición, para ir un poco más lejos o hacia un lugar ignoto. Resumiendo, lo constructivo provoca y la intuición pone su orden. 

Tus composiciones sugieren arquitecturas mentales, mapas, sistemas. ¿Podría decirse que tu pintura es una forma de pensar el orden? 

Completamente cierto, y es que "orden" es una palabra llena de acepciones que ilumina lo visible y lo invisible. Vivimos gracias a que la Tierra y el Sol ordenan sus movimientos, a que los músculos involuntarios ordenan a nuestro cuerpo lo necesario. Pinto ordenando las cosas y la pintura me ayuda a ordenar mis pensamientos. 

En tus obras la línea tiene una fuerza contenida, casi musical. ¿Qué papel juega el ritmo o la idea de secuencia en tu trabajo? 

Un papel primordial, es una metáfora del movimiento. -Volviendo a la pregunta anterior, ¿no es una "secuencia" una continuidad ordenada?-. Las líneas que aparecen en mis obras son el rastro de una mano que las ha producido y tras la mano, hay una cabeza que ha hecho real lo que antes no existía, y que es exactamente lo mismo que me emociona cuando veo pinturas rupestres, cuando aquellos rastros lineales me ponen en contacto directo con su creador. Es un sueño pensar que dentro de 1000 años alguien pueda ver un dibujo mío y le ayude como a mí me ayudan a pensar las obras de arte del pasado. 

Muchos críticos han destacado la dimensión casi metafísica de tu pintura. ¿Sientes que tu trabajo busca representar algo invisible o inasible? 

Pregunta de difícil respuesta. No represento nada, tan sólo presento cosas en un orden concreto para que el espectador haga suyo lo que ve. Mis obras no son definiciones de nada, son frágiles, y a veces inestables, suspendidas por finos anclajes, próximas a lo efímero, pero hablan de lo inasible de mi vida, de esos lugares invisibles y no eternos, de la fugacidad de la vida. Cuando escriben la palabra metafísica quiero leer que hablan de sutilidad y del ser, y no del estar, y si realmente se refieren a ello, estoy de acuerdo. 

Tu trayectoria abarca más de dos décadas de exploración pictórica. ¿Cómo ha cambiado tu relación con el color, la forma y la materia a lo largo del tiempo? 

No ha cambiado nada. Sigo eligiendo los materiales por sus características y por lo que me comunican, las formas son entes vivos en evolución permanente, antes eran de una manera, ahora de otra, y siguen siendo las mismas. El color es un toro de lidia complejo que mira desafiante, voluble y subjetivo. La relación entre los colores es lo difícil, y muchas veces es solo una cuestión de dominancia, jerarquía y luminosidad. Es la conclusión de dos décadas de exploración pictórica, como dices, y sin olvidar que en la elección cromática hay también un punto de intuición. 

¿Qué te preocupa o te motiva hoy como artista? 

Me motiva mucho las sesiones en mi taller -nuestro micromundo del que somos soberanos-, aunque ese aislamiento pueda resultar inane para el resto de la humanidad. Me preocupa la deriva social hacia la incultura y hacia lo fácil, me frustran las injusticias sociales, el derroche de capacidades, el inútil sueño del bienestar entendido como tiempo de ocio,...

¿En qué dirección sientes que evoluciona tu investigación plástica? 

Cada vez me siento más seguro de lo que hago y de la trascendencia limitada de mis acciones, por lo que siento una gran relajación. La libertad de no hacer nada atendiendo a un compromiso "artístico" me libera, y si mi investigación plástica motiva a un espectador y lee estas coordenadas, miel sobre hojuelas. Hacer es lo que me mueve, una vez hecho, dar paso a otro hacer, y luego a otro, y así seguimos.